O Lagosta

Nome original: The Lobster 
Direção: Yorgos Lanthimos
Elenco: Colin Farrell, Rachel Weisz, Jessica Barden
Gênero: Ficção/Drama
Ano: 2016

   No futuro, as pessoas solteiras são enviadas a um hotel e tem 45 dias para arranjar um companheiro, caso contrário são transformadas em um animal de sua escolha. O cenário do filme é esse: uma bela premissa para críticas sarcásticas do nosso modo de funcionamento em relacionamentos ou em busca deles.
     Acabei de ver que Yorgos Lanthimos também dirigiu "Dente canino" e tudo fez mais sentido agora! A frieza dos personagens, quase robotizados, sem afeto e sem expressão, me lembrou muito esse outro filme de 2009, que também é uma ficção bastante peculiar. "O lagosta" está concorrendo ao Oscar de Melhor Roteiro Original e, após ler sua sinopse, fiquei curioso pra assisti-lo. Posso dizer que o clima duro e inumano do filme foi melhor construído em "Dente Canino", mas nem por isso esse longa é válido como forma irônica de pensarmos nossa busca por um relacionamento, principalmente pelo senso comum de que "é impossível ser feliz sozinho". O filme começou me parecendo um manifesto pelo direito à solidão, pelo direito a não querer um relacionamento, devido à forma esdrúxula pela qual os personagens são submetidos a essa maratona final para salvar sua vida como humanos: sem parceiro, só resta virar um animal. Entretanto, uma vez que David (interpretado por Colin Farrel) foge do bizarro Hotel e se junta aos rebeldes-solteiros que vivem na floresta, também se vê cercado de regras de conduta que, agora, ao contrário, o proíbem de se apaixonar. Sendo assim, podemos dizer que é um filme sobre as verdades e regras que recebemos do nosso meio de como devemos nos portar afetivamente, sendo um embate eterno entre a vontade do nosso corpo e o permitido e desejado pelo grupo. Destaque para a cena em que David deve decidir se vai se cadastrar como homo ou heterossexual, sendo a bissexualidade excluída.
     Apesar de ser uma espécie de caricatura de nossa sociedade, com uma temática bem específica e original (não me lembro de ter visto uma crítica à obrigatoriedade de relacionamentos de forma tão nítida), a história é chata, e, uma vez que já entendemos o funcionamento dessa sociedade proposta, e como ela nos faz estranhar a nós mesmos, acompanhar seu desenrolo não é tão empolgante. É como um episódio de Black Mirror, mas menos excitante.
      

     
Conceito: Bom

Looking - o filme

Nome original: Looking
Direção: Andrew Haigh
Elenco: Jonathan Groff, Frankie J. Alvarez, Murray Bartlett
Gênero: Drama/Comédia/Gay
Ano: 2016

   

A série "Looking" contou, em duas temporadas, a história de 3 amigos gays moradores da badalada cidade de São Francisco. Como forma de encerrar a série, lançaram ano passado o filme de mesmo nome, continuação da história. Assisti as duas temporadas e digo que é uma série extremamente madura e realista, quase um diário de todo gay morador de uma grande cidade.
     Falar do filme aqui é também falar da série, pois o longa pareceu ser simplesmente mais um episódio, continuação da segunda temporada. Mesmos personagens e mesmas histórias de amor mal resolvidas. A grande qualidade de "Looking" é trazer quase todos os embates e questões subjetivas do gay assumido metropolitano. A identificação é tão grande que tive a impressão de ter feito parte da construção do roteiro. Um dos poderes do cinema: você vê que seus problemas e sua subjetividade não são tão singulares quanto pensava.
     No filme, Patrick, o personagem principal, retorna depois de 9 meses a São Francisco para o casamento do amigo. Toda a história se passa em um final de semana (vide o filme "Weekend", do mesmo diretor), no qual ele se encontra com seus amores do passado e se volta a seus padrões de relacionamento: ele tido como o covarde que foge ao sinal do primeiro problema. Uma coisa estranha do filme é a rapidez com que o personagem desenterra as coisas do passado e inclusive "resolve" uma delas, voltando com seu ex. O roteiro ficou um pouco forçado nisso, não tivemos tempo de ver uma transformação sutil. Seria uma forma proposital de mostrar a rapidez e liquidez dos nossos relacionamentos hoje?
     "Looking" continua sendo pra mim um modelo de série realista sobre o cotidiano de nós, gays de grandes cidades. Com ótimas atuações (Lauren Weedman perfeita como a amiga do grupo) e reflexões sobre a homossexualidade contemporânea, a série e o filme são um convite à intimidade dos personagens, que vivem questões tão...nossas.

     
Conceito: Bom

Love (3D)

Nome original: Love
Direção: Gaspar Noé
Elenco:  Karl Glusman, Aomi Muyock, Klara Kristin
Gênero: Erótico/Drama
Ano: 2015

      Em uma sessão de madrugada, fui ao cinema assistir "Love" 3D. Esperava muito, vi pouco.
     Às vezes quando acabo de assistir a um filme, fico em dúvida se tive problemas com o trabalho de um ator interpretando um personagem ou se não gostei foi do personagem em si. Aconteceu isso quando saí dessa sessão. O personagem Murphy, interpretado por Karl Glusman, é um jovem pai casado com uma garota mais nova e que vive em Paris. Após receber uma ligação de sua ex-sogra falando sobre o sumiço de sua ex-namorada Electra, Murphy entra em uma crise nostálgica na qual traz à tona lembranças de seu intenso relacionamento com a moça e reencontra antigos sentimentos. É nesse contexto que acompanhamos a vida sexual e amorosa do casal, propiciando as cenas de sexo explícito como nunca tinha visto no cinema (digo, em uma sala de cinema).

   
     Uma das críticas que tive com a obra já está nas entrelinhas do parágrafo anterior. A história de "Love" só serviu como uma desculpa para as cenas de sexo. Os monólogos chatíssimos de Murphy, e seus pensamentos narrados durante quase toda a trama fazem o filme se tornar chato e o personagem meio patético. Senti que a construção dos personagens foi meio mal feita, porque até nos tornarmos inteirados da história de amor de Electra e Murphy, já tínhamos assistido a longos minutos de lamúrias dele pelo fato da ex ter desaparecido. Pois bem, tive problemas com o personagem principal e também com a atuação de Glusman.
        Os recortes feitos do relacionamento de Electra e Murphy, além de nos trazerem as cenas de sexo (ménage, sexo em diversos lugares, sexo em casa de swing, sexo oral, sexo sem penetração, etc.) traz uma dinâmica confusa dos dois. Murphy é um rapaz de amor fácil, pois declarou seu amor a várias mulheres no filme, mas é por Electra que ele sofreu mais. Noé não dá um fechamento à história e parece não escolher uma mensagem clara a respeito dos temas mais tratados no filme: sexo e amor. Lendo de uma forma schopenhaueriana, o que percebi foi a proximidade entre amor e sexo, como se ambos se fundissem, ao contrário do senso comum que quer separá-los. Onde há sexo, pode-se dizer que há amor. O amor não é mais especial que sexo, seria mais como outra forma de nomeação.
     O que mais esperava do filme era as "belas cenas de sexo em plano aberto". Posso dizer que foram cenas bonitas, principalm
ente a cena do ménage, mas não tão impactantes quanto esperava. Em um momento senti que estava assistindo um filme do Lars Von Trier, devido à trilha-sonora parecida com a do "Melancolia" e aos planos parados de bela fotografia escura, como quadros renascentistas com jogos de luz e sombra. A trilha-sonora em geral foi de qualidade, alternando entra música clássica e ritmos eletrônicos.
     Sendo o primeiro filme 3D que assisto na vida, devo dizer que em alguns momentos há umas ilusões interessantes, como quando Murphy solta a fumaça do cigarro e temos a sensação que ela invade a sala e quando ele ejacula na cara dos espectadores. Destaque também para as cenas que se passam em baladas.
     "Love" é uma experimentação interessante, diferente, mas pelas atuações ruins e roteiro confuso e chato, tem suas qualidades de fotografia meio ofuscadas. 

     
Conceito: Regular

Manchester à Beira-mar

Nome original: Manchester by the sea
Direção: Kenneth Lonergan
Elenco:  Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler
Gênero: Drama
Ano: 2016

     

     Indicado a vários Oscar, filme traz uma bela fotografia, com um roteiro intenso e dramático.
     Lee Chandler precisa retornar a Manchester, cidade que abandonou após uma tragédia pessoal, para cuidar dos arranjos do velório do seu único irmão que deixou sob sua responsabilidade seu sobrinho menor de idade. O personagem principal é mostrado desde o início como um homem mal-humorado e solitário, vivendo em seu quartinho e trabalhando como zelador de prédios. Quando é informado da precoce morte de seu irmão, Lee precisa ir a Manchester e então sua história começa a ser desvendada.
     Desde os primeiros planos, você pensa: puxa, que belas imagens. O frio constante e a neve fazem a fotografia ficar ainda mais bonita, e combinam perfeitamente com a dureza da história dos personagens. Sendo um filme tipicamente masculino (os principais personagens são homens), a obra de Kenneth Lonergan escapa do clichê de mostrar a relação tio-sobrinho como um vínculo de rivalidade constante, como acontece geralmente em filmes sobre relacionamentos entre homens. Desde o início vemos que a relação entre Lee e seu sobrinho foi afetuosa e próxima e, mesmo Patrick enfrentando a morte do pai no auge de sua adolescência, a relação dos dois não se tornou a típica história do "como conquistar o carinho de um adolescente rebelde". Pelo contrário, apesar de todo o sofrimento presente, a relação dos dois foi tratada de forma realística e madura.
     Outro aspecto que dá um refinamento ao filme é a trilha-sonora de violino que acompanha cenas marcantes como a cena da tragédia que destruiu a vida de Lee. Nessa parte, os planos são mudos e só escutamos a longa música clássica que inunda nossos ouvidos, fazendo as imagens ainda mais devastadoras.
     Casey Affleck soube incorporar perfeitamente a tristeza do personagem, que carrega uma história extremamente pesada. Durante todo o filme, a postura fechada e meio mórbida de Lee contrasta com momentos de afeto sutil com o sobrinho, fazendo o filme ainda mais comovente.
      Um filme sobre como viver o insuportável e o como (não) superá-lo.

     
Conceito: Excelente

O Apartamento

Nome original: Forunshande
Direção: Asghar Farhadi
Elenco: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi
Gênero: Drama
Ano: 2016

   

    Emad e Rana são casados e precisam sair de seu apartamento por risco de desabamento. Acabam se mudando para o apartamento de um amigo, no qual ainda estão alguns pertences da moradora anterior que se recusa a ir lá pegá-los. Após Rana ser atacada dentro do apartamento por um desconhecido, o casal precisa lidar com esse trauma e desvendar a história por trás desse incidente.

     É interessante ressaltar como "O Apartamento" é comparado com "A Separação", outro filme do diretor iraniano Asghar Farhadi. Devo admitir que não lembro de absolutamente nada deste filme, apesar de saber que o assisti há muito tempo, também no cinema. Foi um desses filmes que não deixaram nada comigo, nenhuma marca, lembrança ou afetação. Dessa forma, não posso dizer qual é melhor e quais elementos estão presentes em ambos. O que parece visível é que nas duas obras, é possível ver um duelo de gêneros que vão além de um simples drama familiar. 

     Quando o filme termina, eu pensei comigo mesmo como o aspecto mais presente na história foi o da honra masculina e como Emad personificou o macho que, apesar de artista e intelectual, não conseguiu resolver a confusão criada levando em conta a opinião da esposa. A forma como Emad lidou com o ataque sofrido pela mulher, principalmente no desfecho da história, demonstra bem como o personagem articulou o ataque não só como sofrimento da mulher, mas também como um acontecimento que está relacionado com a visão da sociedade a respeito de seu casamento. Uma das poucas informações que eles tem a respeito da antiga moradora, que não aparece em momento nenhum (o que é uma genialidade do filme, pois toda a história se desenrola na sua ausência sempre presente), é que ela era "promíscua". Essa informação, dada logo no início do filme, já adianta a importância que o discurso sobre os papéis de gênero tem na história, e de como eles serão trazidos ora explicitamente, ora sutilmente. A culpabilização da vítima feminina, a falta de poder de escolha de Rana e a honra machista são alguns pontos interessantes a se discutir através do longa.

     Outro ponto importante é como o casal lidou com o trauma pós-ataque e a quantidade de coisas não-ditas nesse período. A possibilidade de sua esposa ter sido estuprada pairou sobre ambos durante várias cenas sem ser mencionada diretamente, gerando aflição em nós, espectadores. A mesma aflição sofrida pelo personagem que se via diante de algo insuportável e que por isso seria melhor se deixado encoberto. 

     "O apartamento" é um drama familiar com elementos bastante, como a personagem sem rosto e sem aparição, e que se mostra um prato cheio pra discussões sobre papéis de gênero e como o cinema pode trazer isso à tela de forma inteligente e refinada. 

     
Conceito: Muito bom

Scott Pilgrim contra o mundo

Nome original: Scott Pilgrim vs. the world
Direção: Edgar Wright
Elenco:  Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead, Jason Schwartzman
Gênero: Fantasia/Comédia
Ano: 2010

     Sim, é isso mesmo que você está vendo no poster do filme. Uma história sobre um garoto que precisa derrotar 7 "ex-namorados do mal" para poder namorar sua amada.
     Achei essa dica de filme em um vídeo no Youtube chamado "Os 10 melhores filmes hips
ters". Nessa lista, que incluía outro filme com o Michael Cera, o famoso "Juno", são listados filmes com elementos hipsters: vida adolescente, bandas underground, amores juvenis e um humor nerd originalíssimo. Os mesmos elementos encontrados em "Juno" você encontra em "Scott Pilgrim", tornando este quase tão bom quanto o primeiro.
Scott Pilgrim é um jovem de 23 anos que divide um quarto com seu melhor amigo gay e está namorando uma adolescente de 17 anos. Divide sua rotina entre os amigos e os ensaios de sua banda underground de garagem que começa a ganhar visibilidade na noite de Toronto, quando aparece sua musa de cabelo roxo, Ramona, e laça seu coração. Entretanto, para ficarem juntos, ele precisa lidar com seus sentimentos e com a fúria dos 7 ex-namorados da garota, entre eles um atleta vegano formado pela Escola Vegana e que perde seus poderes quando bebe por engano um copo de café com creme.
     O filme é uma brincadeira com as histórias em quadrinhos e as lutas entre heróis e vilões. Baseado realmente em uma HQ, o filme não abandona o estilo e traz à tela a mesma forma de narração com a câmera. Michael Cera parece interpretar o mesmo personagem de "Juno", com uma leve diminuição de sua timidez. O humor inteligente e nonsense e a fantasia fazem desse um filme divertido de se assistir. Como um descanso para a mente, gera admiração pela criatividade e pela ótima adaptação de uma aventura tão fantástica para a tela. 

     
Conceito: Muito bom

Animais Noturnos

Nome original: Nocturnal Animals 
Direção: Tom Ford
Elenco: Amy Adams, Jake Gylenhaal 
Gênero: Drama/Suspense
Ano: 2016

     

   Obra de Tom Ford não é complexa, mas perturba pela capacidade de inquietar as emoções.
     Susan é uma curadora de arte rica, porém frustrada com seu casamento e profissão. Mesmo sem ter contato com Edward, seu primeiro marido, é surpreendida com uma entrega enviada por ele: o manuscrito de sua obra literária, chamada "Animais Noturnos" e que vai trazer memórias e emoções do passado do casal novamente à tona.
     Pelo trailer, a expectativa que tinha desse filme era de um drama psicológico complexo e denso. Porém, com a rapidez com que o roteiro é arranjado, a experiência se torna mais simples, apesar de deixar o espectador desconfortável pelo suspense constante. Desde o início fica claro que o filme todo será sobre a leitura de Susan da obra de Edward e tudo que ela suscita. A única pergunta que se estabelece desde o início até o final da história é: por que o ex-marido escreveu essa história? Uma vez que essa resposta é respondida (nada difícil), não há mais tantas surpresas, a trama fica explicada e termina do jeito esperado. Meio simplório.
     Mesmo assim, é recomendável pelas boas atuações de Jake Gyllenhaal e de Amy Adams, pela bela fotografia e pelo poder de criar emoções perturbadoras. Destaque também para algumas cenas memoráveis, como aquela na qual a protagonista percebe pela primeira vez um objeto que fazia parte de sua rotina, mas que agora se relacionava com a situação da leitura da obra do ex-marido: o quadro no qual se lia 'VINGANÇA'. Como escutei de um conhecido antes da sessão, é sim só um filme sobre vingança. Mas quem não gosta de uma vingança requintada?

     
Conceito: Bom

Temple Grandin

Nome original: Temple Grandin  
Direção: Mick Jackson
Elenco: Claire Danes, Julia Ormond, David Strathairn
Gênero: Biografia/Drama
Ano: 2010

   Filmes biográficos são especiais por trazerem a seu conhecimento pessoas que você jamais conheceria de outra forma. "Temple Grandin" traz a história da personagem de mesmo nome, diagnosticada com autismo e que ficou conhecida nos EUA por projetar mecanismos de tratamento de gado menos agressivos.
   Com apoio da mãe e contrariando as expetativas dos especialistas, Temple entrou na escola e conseguir se graduar e fazer seu mestrado, tornando-se a autista mais importante dos Estados Unidos em termos acadêmicos. O filme mostra sua vida desde a infância, até época em que ela já estava ficando conhecido no sul dos EUA por causa de seus projetos que atualmente são usados na metade dos matadouros americanos.
    A atuação de Claire Danes consegue passar a ansiedade e o desconforto de uma pessoa que se sente invadida pelo social. Além disso, a edição do filme consegue passar a perspectiva da própria personagem, que pensa por imagens e, exatamente por isso, consegue tanto sucesso nas ciências. Vários efeitos são usados para demonstrar como o raciocínio de Temple funciona., com o bombardeamento de imagens a qual é submetida a todo tempo em seus pensamentos. Julian Ormond também faz um ótimo trabalho, interpretando a mãe de Temple que teve que lutar pelo espaço da filha em uma época onde pouco se falava de autismo. O filme em si funciona como uma boa aula de como é a subjetividade autista, principalmente pelas formas criadas pela personagem para lidar com tal estado, como a "máquina de abraços".
      Uma boa obra para se conhecer essa mulher que ainda está viva e inclusive foi eleita pela revista Times como uma das 100 personalidades mais influentes do mundo.
      

     
Conceito: Bom

Eu, Daniel Blake

Nome original: I, Daniel Blake
Direção: Ken Loach
Elenco: Dave Johns, Hayley Squires, Dylan McKiernan
Gênero: Drama
Ano: 2016

   

    Daniel Blake é um senhor que, após sofrer um infarto, começa um longo embate com os órgãos públicos pra conseguir receber auxílio financeiro do governo britânico enquanto está de licença médica. É o primeiro filme que vejo que trata do tema.
     A primeira cena do longa já é uma entrevista do Sr. Blake com uma funcionária do governo. Tendo já todos os documentos médicos que provam sua incapacidade de trabalhar, o personagem descobre nesse momento que está entrando numa maratona burocrática de invisibilização, desrespeito e humilhação.    
     Sem nenhuma trilha-sonora e com uma narrativa dura, com cenas como flashes de realidade nos quais a tela escurece antes de passar pro próximo, "Eu, Daniel Blake" é quase um documentário. O próprio nome do filme, uma autoafirmação do nome do personagem, demonstra seu objetivo principal: trazer à visibilidade um cidadão comum, completamente atropelado pela frieza do sistema burocrático de Estado Social que em seu princípio puro e esquecido tem como meta acolher os indivíduos, mas que na prática sucumbe à impessoalidade e à forma de tratamento do ser humano como uma máquina produtiva, um número. Cabe ressaltar aqui que é um cidadão pobre europeu, sendo esmagado pela máquina estatal, elementos bastante raros no cinema.     
     A incapacidade de escuta dos funcionários que lidam com Blake e com sua nova amiga Katie, mãe de 2 filhos e também dependente de auxílios, é cruel. O diagnóstico médico é ignorado durante todas as entrevistas e Blake continua sendo visto pelo governo como apto ao trabalho. A mecanização dos processos e a não possibilidade de abertura de exceções, tudo em nome de uma norma organizadora e eficiente, são devastadores para os cidadãos que se sentem como mendigando por um favor, e não por um direito. A dureza do embate com o governo só é amenizada pela ajuda e o carinho que Blake recebe dos conhecidos, sendo uma luz de resistência a tantas humilhações sutis e impessoais recebidas. O caráter pessimista do filme acaba sendo um pouco diminuído por essas formas de resistência afetiva.     
     Outra novidade é mostrar como defeitos que vemos tão perto, em nosso SUS e em todas nossas políticas públicas, são também presentes em países desenvolvidos. O forte vínculo entre burocracia, rigidez, racionalização de processos e frieza no tratamento faz com que as políticas de assistência esqueçam que estão lidando com seres humanos em situações de extrema fragilidade e que não podem ser resumidos a papéis e números. A burocracia, sistema de regras criadas por nós mesmos, chega a um nível que começa a nos mortificar, como se fossem procedimentos certeiros, únicos e inevitáveis e aos quais só nos resta a adaptação. Dessa forma, o usuário da outra ponta, no caso pessoas em situação de pobreza, acabam por se tornar peças não importantes nesse jogo. A singularidade do humano não deveria ser completamente ignorada quando tratamos do humano em seus momentos de maior fraqueza.     
     O filme de Ken Loach acaba sendo devastador pela carga política e afetiva que despeja na tela. Uma obra sobre a impotência frente a uma máquina política-governamental que insiste em não nos ver, que faz de seus funcionários seres surdos e meros reprodutores de normas cegas.

     
Conceito: Muito bom

Capitão Fantástico

Nome original: Captain Fantastic
Direção: Matt Ross
Elenco: Viggo Mortensen, Frank Langella, George Mackay
Gênero:Drama
Ano: 2016

     "Capitão Fantástico" traz as história de Ben, que cria os 6 filhos reclusos em uma floresta, distante do mundo e de uma cultura que julga decadente. Quando sua esposa morre, precisam entrar em um embate com sua família para que seu último desejo, de ser cremada, seja obedecido.
     O filme é válido como disparador de várias discussões sobre nossa cultura. Criando os filhos da forma que julga mais coerente e saudável, Ben os ensina a caçar, a escalar, a estudar filosofia, ciência e os grandes clássicos da literatura. Como um experimento psicológico de educação infantil, as crianças são criadas em um minissociedade alternativa, na qual, por exemplo, ao invés de comemorarem o Natal, celebram o aniversário de Noam Chomsky, o filósofo ativista norte americano.
     No que se refere às críticas sociais, o filme lembra muito "Turista Espacial", também comentado aqui no blog. Os métodos de educação, a visão religiosa e política ensinados por Ben aos filhos fazem com que, em dado momento, eles mesmos se sintam "aberrações" quando tem contato com o mundo exterior, a clássica sociedade americana. Também outro aspecto interessante presente é a visão da morte em diferentes contextos. Sendo budista, a mãe das crianças desejava ser cremada, o que suscitou um embate ferrenho com a família cristã, que queria o típico sepultamento.
     A obra tem como ponto forte essa experiência de imaginar a educação como forma extrema de resistência à comportamentos e discursos compartilhados pela maioria: se não pode com seus inimigos, afaste-se deles. Entretanto, com a ida da família para cidade para honrar a memória da mãe, vamos vendo os conflitos envolvidos nesse projeto polêmico de vida reclusa, pois o fato é que sim, existe o mundo, quer gostemos de sua forma ou não.
     Guardei esse filme como um ensaio de uma possível forma de resistência micropolítica, levado ao grau extremo. Por fim, a pergunta que fica é: como resistir estando incluído no sistema que tanto criticamos? Como encontrar uma postura política que não seja se esconder em uma floresta num regime ultrarracional e nem ser meramente um cidadão urbano médio consumidor de discursos prontos?

Conceito: Bom

Turista Espacial

Nome original: La Belle Verte (França)
Direção: Coline Serreau
Elenco: Catherine Samie, Claire Keim, Coline Serreau, Denis Podalydès, Didier Flamand 
Gênero: Ficção 
Ano: 1996

     Filme francês propõe uma experiência antropológica através da desconstrução da nossa sociedade pela visão estrangeira de extraterrestres. Contudo, de uma maneira bastante informal e interessante.
     Mila (interpretada por Coline Serreau, também a diretora), extraterrestre provinda de um planeta onde o ser humano vive em total harmonia e sustenta um estilo de vida bastante diferente do nosso, viaja à Terra com o intuito de encontrar a família de sua mãe, começando uma jornada pelo planeta que ninguém queria visitar devido à sua situaçào primitiva e tão inferior àquela que ela e seu povo estão acostumados.
     O filme consegue perfeitamente cumprir seu papel de motivar uma reflexão no espectador por colocá-lo em uma perspectiva de observador de si mesmo e de sua sociedade como um todo. Sob a ótica de Mila e seu povo, discussões sobre espiritualidade, alimentação, economia, natureza e vários outros aspectos de nossa humanidade são, por causa da distinção com aquele outro planeta, levantadas e acabam trazendo uma sensação de deslumbramento. Todos as viscitudes dos seres humanos, óbvios como a geração de poluição, o descaso com o meio-ambiente e o sistema econômico cruel, ou sutis (será?) como a alimentação, as frustradas relações interpessoais e individualidade egoísta, são expostos no filme. Um batom, por exemplo, é o causador de um diáologo intrigante sobre o padrão de beleza e nossas expectativas com o mesmo.

     É visível o ativismo e as influências de certas correntes de pensamento no longa e na montagem do planeta-modelo, tão à frente do nosso. Para um espírita, é fácil ver as semelhanças entre a relação da Terra com o planeta do filme e da Terra como os planos espirituais superiores, que os crentes da doutrina espírita acreditam. Jesus Cristo, em ambas as situações é mostrado como um ser enviado ao nosso planeta para nos fazer avançar na linha evolutiva mais rapidamente. O vegetarianismo também está presente, defendido com a repulsa e surpresa quando há a descoberta que aqui em nosso planeta ainda comemos carne.

     Vários outros elementos fazem do filme uma obra inesquecível, que parece ter sido fonte de inspiração para filmes como Avatar e até mesmo do humor presente na série O Guia do Mochileiro das Galáxias (se este não tivesse surgido anteriormente àquele, claro). Cenas engraçadas e criativas surgem aos montes, como o balé dos jogadores de futebol e os diálogos nervosos quando a personagem tenta entender nosso estranho mundo.

     Turista Espacial é um filme instigante, propiciador de uma experiência incrível de descontrução e viagem a nós mesmos. Deve ser visto.

     
Conceito: Excelente

Amores Brutos

Nome original: Amores Perros (Espanha)
Direção: Alejandro González Iñárritu
Elenco: Gael García Bernal, Gustavo Sanchez Parra, Dagoberto Gama
Gênero: Drama
Ano: 2000 

      Filme de Alejandro Iñárritu é tão bom quanto Babel, e foi feito na mesma forma.
      Uma série de histórias conectadas sobre pessoas e o amor em meio à violência e dor, este último algo inevitável, pelo que parece. Um mendigo e seus cachorros, um jovem e a esposa de seu irmão bandido, um homem que larga a mulher e pra viver com a amante. Esses são os personagens que protagonizam as três partes do filme, cada qual com seus respectivos nomes como título. Gael García Bernal interpreta o jovem que começa a ganhar dinheiro com seu cachorro em rinhas para fugir com a cunhada.
      Diferentemente de Babel, não há um acontecimento específico da qual as histórias dos personagens partem. Eles são apresentados separadamente para depois entrarmos em suas vidas e vermos em quais pontos os outros aparecem ou interferem de modo sutil, como um encontro na rua, ou de modo intenso, como em uma batida de carro. Outra diferença entre as duas obras do diretor é o fato de que Amores Brutos não segue a ordem cronológica em vários momentos, trazendo uma ordenação mais complexa e muito mais interessante e dinâmica ao longametragem. Em compensação, as trilhas-sonoras dos dois filmes são bastante semelhantes e deve-se dizer que foi um bom aproveitamento.
      Fazer um filme múltiplo assim é vantajoso, pois as tramas chatas podem ser compensadas pelas interessantes. Entretanto, o roteiro não cai em momento algum, pretendo a atenção e emocionando, graças aos segredos, à violência e tensão que permeiam as histórias de amor que mais trazem sofrimento do que felicidade. “Porque também somos o que perdemos”, a frase presente na dedicatória final, resume a ideia de Iñarritu.
      Amores Brutos é um grande acerto do diretor espanhol, sendo uma homenagem ao amor e todos os problemas e conflitos que todos nós conhecemos muito bem.

Conceito: Excelente

O Segredo de Vera Drake

Nome original: Vera Drake
Direção: Mike Leigh
Elenco: Imelda Staunton, Phil Davis, Eddie Marsan
Gênero: Drama
Ano: 2004

    
Filme de Mike Leigh conta a história verídica de Vera Drake, brilhantemente interpretada por Imelda Stauton.
     Londres, 1950. Numa Inglaterra pós-guerra, Vera Drake concilia sua vida simples dedicada à família com sua rotina secreta de ajudar jovens a cometerem aborto, até que uma delas é levada ao hospital por complicações, trazendo o segredo de Drake à tona para a justiça e conhecidos.
     Desde o início do filme a construção da personagem principal visa enfocar a simplicidade de sua vida e sua popularidade entre a vizinhança graças à sua solidariedade e simpatia. Dessa maneira, logo de início já começamos a buscar argumentos para entender e justificar as atitudes de Vera que a levariam aos tribunais em breve. Em cada caso onde o aborto é provocado, vemos diferentes tipos de mães, que buscaram ajuda de Drake por diversos motivos: excesso de filhos, estupro, traição ou só jovens descuidadas e reincidentes no aborto forçado. Com toda essa pluralidade de razões, é fácil notar porque o tema é tão polêmico, inclusive bastante recorrente hoje em discussões políticas e éticas. É possível ver Vera Drake como uma assassina qualquer mesmo sendo suas intenções de ajudar, gratuitamente, as aflitas jovens, tão visíveis? O roteiro e a maneira que foi elaborado trazem mais situações que favorecem a personagem, contrapondo-se somente às passagens nas quais ela demonstra uma demasiada ingenuidade e serenidade, que pode ser tomada como frieza e falta de escrúpulo.
     Imelda Stauton se mostra perfeita no papel, desde o início quando sua vida está tranquila e feliz, até a polícia aparecer na sua porta. Nos dois momentos, talvez graças ao estilo do diretor Mike Leigh e retratar fielmente o real e os dramas familiares, nos sentimos imersos na família Drake e todos os acontecimentos que a rodeiam, acabando por nos tornarmos tão íntimos que sentimos pesar por Vera. Os diálogos cotidianos e simples, e a história em ordem cronológica sem grandes pulos no tempo nos dá a sensação de estarmos quase vendo a história acontecer dentro de nossa casa.
     Indicado a 3 Oscar, Vera Drake é um bom filme para ilustrar o tema do aborto e para ver porque Stauton ganhou diversos prêmios de Melhor Atuação.

Conceito: Muito Bom

Simplesmente Feliz

Nome original: Happy-go-lucky
Direção: Mike Leigh
Elenco: Sally Hawkins, Andrea Riseborough, Eddie Marsan
Gênero: Comédia
Ano: 2008

     Mike Leigh dirige esse filme leve e agradabilíssimo de assistir, no estilo Amelie Poulain.
     Poppy é uma mulher de 30 anos otimista e feliz, que trabalha como professora primária e tenta levar sorriso a todos a sua volta. O filme não possui uma trama definida, sendo mais o retrato da vida cotidiana da personagem vivendo em um típico e minúsculo apartamento inglês com sua amiga. A felicidade e bom humor de Poppy transparecem em todos os momentos e é contagiante, principalmente nas cenas das aulas de direção com o ranzinza instrutor interpretado de uma maneira magnífica por Eddie Marsan (também presente em Vera Drake), que junto com Sally Hawkins fazem as melhores cenas do longa.
      Simplesmente Feliz é difícil de encaixar-se em algum gênero, mas talvez a comédia seja mais adequada, graças às cenas e aos diálogos hilários devidos ao contínuo bom humor e leveza de Poppy, que se não fosse pela capacidade da atriz de interpretar tão belamente essa personagem, não seria tão recomendável. Um filme pra acalmar a mente.

Conceito: Muito Bom    

Primavera para Hitler

Nome original: The Producers
Direção: Mel Brooks
Elenco: Zero Mostel, Gene Wilder, Kenneth Mars
Gênero: Comédia
Ano: 1968

      Comédia dos anos 60 traz história interessante e, mesmo para um espectador descontextualizado com a época em que foi feito, consegue arrancar risadas.
      Um produtor fracassado da Broadway se junta com seu contador (interpretado por Gene Wilder, também conhecido como o Willy Wonka do primeiro A Fantástica Fábrica de Chocolate ) e, através de uma manobra de superfaturamento, planeja produzir a pior peça teatral de todos os tempos para usar o dinheiro e ir pro Rio de Janeiro. Contudo, o espetáculo musical sobre Hitler e a Alemanha nazista acaba sendo um sucesso.
      Tendo um humor diferente dos que nós, espectadores atuais, estamos acostumados, o filme acaba parecendo forçado e meio excêntrico pra nossa visão contemporânea de comédias. Mesmo assim, pela trama que por si só é engraçada, consegue manter a atenção pela expectativa de como será a peça que está sendo produzida e promete ser um fracasso, e também por personagens engraçados, como a secretária sueca e gostosa, e o ex-combatente alemão maluco e admirador de Hitler
. E é a própria peça que traz as cenas mais engraçadas do curto filme, cuja sinopse acima resume toda a história que vemos nos 84 minutos de duração (curta demais). A peça poderia ser, de fato, mais explorada. Ver um musical encenado na Broadway, com um trecho de música “Primavera para Hitler e Alemanha, inverno pra Polônia e França” como uma ode ao Führer, entretanto, faz o longa valer a pena mesmo ele não sendo imperdível.

Conceito: Regular

Biutiful

Nome original: Biutiful
Direção: Alejandro González Iñárritu
Elenco: Javier Bardem, Maricel Álvarez, Hanaa Bouchaib
Gênero: Drama
Ano: 2010

     Indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2011, a obra de Alejandro González Iñarritú traz Javier Bardem interpretando um pai lutando para cuidar de seus 2 filhos enquanto espera a morte.
     Uxbau é um pai separado que usa seu dom de conversar com os mortos e participa de atividas ilíticas para ganhar a vida e cuidar de seu casal de filhos pequenos num subúrbio na Espanha. Após sentir dores e ir ao médico, descobre que tem poucos meses de vida graças a um câncer, começando sua luta para tentar deixar as coisas em ordem antes de partir.
     Biutiful é o mais fraco dos três filmes que já vi desse diretor mexicano. Contudo, não chega a ser ruim. Só não é tão memorável quanto 21 gramas e Babel. O longa é monótono em várias partes, exigindo muita sensibilidade para que o espectador chegue a ficar perturbado e comovido com a situação de Urbau. Imagino que isso tenha ocorrido devido à extrema introspecção do personagem, graças à atuação muito convincente de Bardem (o que deu um grande brilho ao longa), durante toda a história, vivendo a tristeza
de esperar seu fim em meio a todos os problemas em silêncio. Esse é um aspecto do filme que o torna original, mas também falho em criar algum vínculo emocional do espectador com o personagem principal. Obviamente há cenas chocantes e densas, como a chacina não-proposital dos chineses, mas são partes isoladas nessas mais de duas horas de filme, que trazem reflexões sutis demais sobre espiritualidade e morte.
     Como pode ser percebido na dedicatória antes dos créditos finais (de Iñárritu para seu pai), Biutiful é mais uma homenagem às amadas figuras paternas e seu amor por seus filhos do que um drama mais complexo como os outros do diretor.

Conceito: Bom

Melancolia

Nome original: Melancholia
Direção: Lars Von Trier
Elenco: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg,  Kiefer Shuterland
Gênero: Drama
Ano: 2011

       Há filmes que são filmes. Histórias contadas usando sons e imagens. Contudo, há filmes que são poesias, poesias audiovisuais que, se lidas no momento certo e pelos olhos certos, proporcionam uma experiência quase epifânica. "Melancolia", uma obra prima de Lars Von Trier, é dessas.
      Tal é a grandeza desse filme, que não me contive e me propus escrever uma resenha mais apurada, mesmo já o tendo visto pela primeira vez, há mais de um ano, numa sala de cinema, e tendo deixado um pequeno comentário no blog. É válido dizer que a experiência que esse filme me proporcionou naquela época foi muito maior do que agora que o revi, graças ao momento específico que estava vivendo lá. Mas quando uma arte é boa, não importa quantas vezes você a enxerga, sempre consegue a ver.
     Como os outros filmes do diretor, este contém seus elementos característicos, como a divisão em capítulos, a câmera móvel e a valorização dos diálogos. Entretanto, aqui também vemos o culto à imagem e toda a beleza que esta pode oferecer. Logo no início, a sequência de imagens maravilhosas, semelhantes a pinturas surrealistas, em câmera lenta, demonstram a profundidade do longa.
      O primeiro capítulo tem como foco a personagem Justine (Kirsten Dunst) e sua festa de casamento, que acontece na casa da irmã, Claire, e de seu cunhado milionário, o anfitrião. De início, a noiva parece estar vivendo o que espera-se dela: felicidade. Contudo, logo no inicio da recepção, percebemos seu real estado, simplesmente alheia a tudo que ocorre a sua volta e sendo pressionada por todos para "ser feliz". No segundo capítulo, focado em Claire, sabemos que "Melancolia" é um misterioso planeta que passará próximo à Terra e corre o risco de encontrá-la. Com isso, Claire (brilhantemente interpretada por Charlotte Gainsbourg, também presente em "Anticristo", do mesmo diretor), luta contra o desespero, isolada com a irmã depressiva, o filho pequeno e o marido na gigante casa de campo, até o dia da chegada do planeta. Saber que o diretor se encontrava em uma fase da vida na qual teve depressão dá condições de entender melhor a situação melancólica e pessimista que vive Justine. É impossível alguém que já teve tais momentos não se reconhecer. Talvez a ideia não tivesse funcionado tal bem não fosse a incrível compatibilidade entre as duas atrizes principais, que conseguem construir uma relação irmã-irmã comovente e real.
     Frases como "A Terra é má, não precisamos lamentar por ela. Ninguém sentirá falta", conseguem expressar toda a carga de descrença, frustração e aniquilamento que nós, seres conscientes da nossa futura morte certa, em muitos momentos experimentamos. Os belos diálogos e imagens, juntamente com a trilha sonora de violino, formam a melhor personificação da melancolia que já vi no cinema. Mais um filme que ao invés de exigir uma mente aberta, exige um coração disposto a absorver as sensações que surgem quando nos conscientizamos da nossa pequenez e fragilidade como humanos.

Conceito: Excelente

Preciosa - Uma História de Esperança

     
Nome original: Precious
Direção: Lee Daniels
Elenco: Gabourey Sidibe, Mo'Nique Irnes Jackson, Paula Patton
Gênero: Drama
Ano: 2010

      Filme ganhador de 2 Oscar em 2010 - inclusive de melhor roteiro adaptado, do livro "Push" - é um drama que se destaca pelas excelentes atuações e uma carga de tragédia que supera a maioria do gênero.
      Preciosa é uma garota de 16 anos, negra, obesa e analfabeta que vive no bairro do Harlem em 1987, esperando seu segundo filho, quando entra em uma escola alternativa pra tentar encontrar esperança em meio a sua rotina de abusos e violência familiar. Logo nas primeiras cenas o cenário brutal na qual a personagem interpretada pela iniciante Gabourey Sidibe vive exposta: abuso sexual pelo pai, casa escura e desorganizada no bairro pobre de Nova Iorque, humilhações e violência por parte da mãe e a aparência da garota, totalmente sem luz, imersa na escuridão.
      Apesar de a personagem desde o início se mostrar extremamente apática e descrente, durante a história vemos algumas imagens que seriam provenientes da imaginação e dos sonhos da mesma, na qual ela é uma estrela adorada por vários e desejada, traçando uma história paralela àquela cruel realidade vivida. Quando a garota vai para a nova escola e encontra sua nova professora que passa a ser sua maior ajudante e fornecedora de esperança, abre-se uma pequena brecha para o que parecia ser uma situação sem solução. Numa turma com garotas com problemas semelhantes aos seus, Preciosa, aos trancos e barrancos, sobrevive.
      Quem espera um drama romântico e idealizado de "Preciosa", engana-se. O filme preza pelo realismo, bastante cruel nesse caso, e diferentemente de outras tramas do gênero, não tem o formato típico de trajetória do personagem: submundo, transformação, ascensão. Como geralmente ocorre na vida real, as mudanças vem aos poucos, com quedas durante o caminho, sendo uma delas a noticia trazida pela mãe de Preciosa enquanto se encontrava no abrigo, quase tirando novamente a firmeza e fé da garota.
      Há diversas cenas memoráveis durante o longa, e as melhores são as protagonizadas por Mo'nique, como a deplorável mãe, que prova que realmente mereceu o Oscar de melhor atriz coadjuvante.
      A história, mais do que um drama de partir o coração, é um ensaio sobre esperança (como o próprio nome brasileiro explana), família, amor e onde encontrá-los nesse mundo.

Conceito: Muito Bom

Europa

Nome original: Europa
Direção: Lars Von Trier
Elenco: Jean-Marc Barr, Barbara Sukowa
Gênero: Drama
Ano: 1991

      "Europa" faz parte de uma trilogia de filmes (os primeiros!) do diretor dinamarquês Lars Von Trier que não seguem a mesma história, mas sim utilizam da mesma técnica. Leopold Kessler é um jovem americano que consegue um trabalho na fictícia companhia ferroviária alemã Zentropa na Alemanha recém saída da guerra, no ano de 1945. Vindo de uma acolhedora América, com o espírito idealista, o personagem flutua no ambiente destruído e cruel, fruto do terrível conflito.
      A narração presente desde a primeira cena, como se fosse uma hipnose, nos prepara, com contagens regressivas, para os acontecimentos que se sucederão em breve. O primeiro plano, a vista dos trilhos a partir de um trem em movimento no prepara: "No 10 você estará em Europa".
      A imagem em preto e branco dá uma beleza requintada ao longa, e faz lembrar "A lista de Schindler", também pelo tema tratado. Entretanto, a inovação de Von Trier foi dar cor a alguns personagens e objetos em momentos importantes, para destacá-los, além do recorte e sobreposição de imagens em várias partes.
      Após Kessler começar a se envolver com Katharina Hartmann, filha do dono da companhia, os conflitos começam a surgir e até no meio de uma conspiração de resistência nazista ele se vê, provando que a Alemanha naquele tempo era pequena demais para pessoas que, como ele, não tinham uma posição no conflito que se negava a ser esquecido.

      Os diálogos são excelentes, carregados de um drama psicológico que, juntamente com a trilha sonora de suspense constante e o cenário claustrofóbico de um vagão, torna o filme perturbador e com traços noir. Como não se perturbar num lugar palco de tamanho derramamento de sangue e destruição? Alemanha novamente dando arrepios.
      Entretanto o roteiro soa um pouco amador quando explica demais a situação que está ocorrendo, não deixando nada implícito, como se o espectador não fosse capaz de notar na mesma hora, por exemplo, que o judeu que seria a testemunha numa cena tinha sido comprado.
      Outro ponto interessante, é que o roteiro se torna um bocado tarantiniano (no sentido de "nonsense") nas cenas finais, quando o personagem se vê numa confusão que o leva a surtar, suavizando o clima, mesmo com o caos ao redor.
      "Europa" é uma viagem que vale a pena.

Conceito: Excelente

Os Idiotas

Nome original: Idioterne
Direção: Lars Von Trier
Elenco: Jens Albinus, Nikolaj Lie Kaas, Paprika Steen
Gênero: Drama
Ano: 1997

      Primeiro filme de Lars Von Trier feito de acordo com os princípios do Dogma 95 reforça minha condição de grande admirador do cineasta.
      O filme mostra um grupo que forma uma espécie de sociedade alternativa na qual o objetivo é se passar por afetados mentais, tirando sarro em diversas situações e causando constrangimento nas pessoas. No início do filme vemos os personagens interpretando doentes mentais simplesmente para tirar proveito ou para pregar uma peça em desconhecidos. Contudo, com o decorrer da história e a câmera (que devido à brilhante direção parece estar infiltrada entre o grupo) focando o grupo isolado em uma casa, conflitos mais densos começam a surgir, como por exemplo, a discussão sobre a falta de ética em enganar as pessoas e se realmente o objetivo da minissociedade estava sendo cumprido pelos seus integrantes.
      Dentre os personagens, há uma flutuante, chamada Karen, que se junta ao grupo por falta de opção, mas que está longe de querer ser uma rebelde anarquista. Sendo assim, é a mais intrigante e a que protagoniza a cena final, digna de aplausos.
      Além da originalidade do roteiro de Lars Von Trier e do uso Dogma 95 (que faz com que o filme se pareça com um vídeo caseiro), é inacreditável que aqueles são atores fazendo papéis. O entrosamento e atuação de todos beiram a perfeição.
      “Os idiotas”, ao contrário do que parece no início, é um filme que, como todos do diretor, faz pensar, e de um jeito tão instigante e inovador que suas duas horas de duração passam num piscar de olhos.

Conceito: Excelente